On la connaissait peintre : ses recueils d'aquarelles félines, du Chat zen aux Quatre Saisons du chat, agrémentées de pensées issues de la sagesse orientale, ont fait le tour du monde.
On l'a découverte écrivaine grâce à un texte touchant, Le Chat qui m'aimait, mettant en scène Healey, le chat qui lui a fait aimer les chats.
Kwong Kuen-Shan dévoile dans ce récit combien les chats, dans leur grande sagesse, l'ont aidée dans sa vie de femme et de créatrice.
Illustré d'aquarelles originales, ce récit est une ode à ces félins, desquels nous avons chaque jour tant à apprendre.

Tous les grands ouvrages de Kwong Kuen-Shan sont chez Pocket.

Tourbillons impressionnants, flots tumultueux des rivières, torrents bouillonnants, cascades vertigineuses, violentes intempéries, douces pluies poétiques, neige immaculée et silencieuse : l'eau sous ses multiples formes occupe une place essentielle dans les estampes japonaises des XVIIIe et XIXe siècles. La mer surtout, omniprésente dans l'archipel nippon, participant de l'identité des Japonais, est sublimée. Parmi les représentations récurrentes de vagues impétueuses déferlant sur le rivage, menaçant des embarcations, se brisant sur les falaises, les rochers et les récifs, une image aussitôt s'impose : celle de la célèbre Grande Vague de Hokusai. Des artistes tels que Hokusai en effet, mais aussi Hiroshige et Kuniyoshi vont devenir les maîtres incontestés de cette représentation de l'eau, relevant de véritables défis techniques pour saisir à la fois l'instantanéité et la pérennité du mouvement, en exprimer l'éternel recommencement, en traduire l'ampleur et la force. Jeux de lumières, de couleurs et de lignes, stries profondes, traits vifs, courbes ou volutes leur permettent de synthétiser et de schématiser les divers mouvements des eaux, tour à tour dormantes, bouillonnantes ou écumantes. À partir des années 1830, un nouveau pigment, le bleu de Prusse, va leur permettre de rehausser leurs oeuvres d'une teinte intense et profonde, donnant à l'eau toute sa force d'expression, autorisant tous les contrastes et les variations infinis de bleus.Dans un style tout à la fois réaliste, abstrait et innovant, ces maîtres de l'estampe capturent le caractère unique et quasiment sacré de l'eau dans une véritable communion avec la nature, et nous livrent leur vision d'un monde empreint de spiritualité.
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Le personnage qui habite le "monde simple et tranquille" de Laoshu flâne le long des chemins de campagne, s'endort sous un arbre, pêche à la ligne, rêve dans sa chambre et se livre à des activités banales d'un oeil subtilement railleur. Un "double littéraire" de l'auteur qui, s'il s'émerveille en promeneur solitaire devant la beauté de la nature, n'en est pas moins fin observateur de la société chinoise dont il ne se prive pas de moquer les excès.
Il est ce flâneur désinvolte, ce rêveur malicieux qui prétend avec impertinence : " en cette vie, je n'obérai qu'aux fleurs". Il est aussi ce poète excentrique et nonchalant qui aime paresser longuement en caressant son chat et qui nous réconcilie avec nous-mêmes des quelques avanies et chagrins de l'existence".
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Le meilleur de Riad Sattouf dans un seul album !

De ses dessins d'enfant au succès planétaire de L'Arabe du futur, Riad Sattouf nous raconte les secrets des planches qui jalonnent son parcours. Le meilleur de l'artiste ponctué de textes inédits : le récit hilarant du journaliste Arnaud Gonzague qui a rencontré la vraie Esther. Celui du fidèle compagnon de route et éditeur Guillaume Allary. La lettre d'amour du disciple Vincent Lacoste, celle du monstre sacré Philippe Druillet... Un album unique qui vous invite dans la bulle de l'un des plus fins et des plus libres reporters de notre temps.

Voici qu'Utamaro, délaissant les portraits de courtisanes qui l'ont rendu célèbre, décide cette fois d'aller contempler la neige ou la lune ou, encore, d'inventorier ce qu'une mer délaisse sur le sable quand elle se retire. Ce qui touche dans les trois albums de peintures réunis ici, c'est peut-être d'abord cela, cet abandon du regard aigu sur une société raffinée, pour retourner à la beauté native de la nature. On peut alors se faire proche d'une grève, d'une lune vagabondant dans le ciel nocturne, d'un pont perdu dans la brume, ou de coquillages ouvragés émaillant le sable. Présentées avec la traduction des poèmes qui les accompagnent, ces estampes nous éblouissent par la fraîcheur intacte de leur pinceau et la délicatesse de leurs couleurs poudrées d'or.
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Les Japonais utilisent deux systèmes d'écriture à la fois : les kanji, caractères empruntés aux Chinois, qui sont des idéogrammes ; et les kana, caractères purement phonétiques, qui se présentent sous la forme de deux syllabaires. Cet ouvrage propose au lecteur de s'initier à cette discipline à la fois subtile et fascinante qu'est la calligraphie japonaise.
Au fil des pages, vous découvrirez l'histoire et le maniement des "quatre trésors du lettré" (le pinceau, l'encre, la pierre à encre et le papier), mais aussi des sceaux et des outils annexes ; vous apprendrez à calligraphier des caractères, des mots puis des poèmes au grand et au petit pinceau, en kana ou en mélangeant kana et kanji. Vous vous essayerez à la calligraphie enchaînée, considérée comme l'âme de la calligraphie japonaise. Enfin, une galerie d'oeuvres exceptionnelles, signées par de grands maîtres et des artistes renommés, vous permettra de mesurer la richesse, le raffinement et la créativité d'un art toujours actuel.
Plus qu'un manuel d'initiation, ce livre est l'occasion de se familiariser avec une pratique qui allie la quête spirituelle à l'exigence de la beauté.

Née en 1956 à Osaka, Yuuko Suzuki commence à étudier la calligraphie à six ans auprès de grands maîtres renommés, tels que Nanboku Sumiyama. Après des études universitaires à Tôkyô et Paris, elle s'installe à Paris où elle enseigne durant plus de vingt ans, notamment au Musée Guimet de 2002 à 2011, l'art japonais - calligraphie, peinture et art bouddhique. Yuuko Suzuki est également peintre et auteur d'installations, elle réalise aussi des performances artistiques. Ses peintures accompagnent, dans des oeuvres de bibliophilie et d'autres ouvrages littéraires et artistiques, des textes d'écrivains et de poètes. Ses poèmes sont publiés au Japon et à l'étranger. Exposées régulièrement en France et dans le monde entier, ses oeuvres et ses réalisations de bibliophilie sont notamment présentées à la Galerie Yuuko Suzuki - Clair d'encre qu'elle a fondée en 2011 à Paris puis au Japon.
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"La calligraphie est cachée dans l'enseignement du maître, mais sont existence est dans l'abondante répétition des exercices et dans la constance avec laquelle on s'y applique." Pratiquée depuis plus de quinze siècles, de l'Andalousie à l'Inde, la calligraphie arabe, magnifiée dans les manuscrits comme dans l'ornementation architecturale, a acquis au fil des siècles son statue d'art universel et intemporel. Méthode progressive et pédagogique qui s'adresse à tous, ce manuel d'initiation traite des aspects théorique et pratique de l'écriture à la calligraphie à partir de termes simples. L'apprentissage commence par le choix des matériaux et la préparation des outils. Il s'appuie ensuite, sur leur assemblage jusqu'aux mots, pour enfin conduire à l'écriture de la phrase. Une fois ces généralités techniques acquises, vous vous initierez à la création de compostions graphiques, dans l'un des sept styles majeurs présentés ici (Koufique, Thuluth, Nuskhi, Persan, Turc, Riqââ et Maghrébi). L'acquisition d'une base sûre vous permettra de dépasser les règles de la calligraphie arabe pour réaliser vos propres modèles. Devenez à votre tour un pèlerin du calame, un magicien des mots et un peintre de la parole...

Né à Bagdad (Irak) en 1937, Ghani Alani apprend la calligraphie dès l'âge de sept ans. Disciple du grand maître de l'école de Bagdad, Hachim El Bagdadi, et du grand maître de l'école turque, Hamed El Amedi, il obtient, après plus de quinze ans d'apprentissage, leur ljaze (diplôme de calligraphie remis par une maître à son meilleur élève et unique héritier). Il complète sa maîtrise artistique par une connaissance approfondie de l'enluminure. Docteur en arts plastiques et en droit, il enseigne dans diverses universités et écoles (Institut des Langues Orientales, École Normale Supérieure, etc.) avant de se consacrer pleinement à son art. Nombre de ses oeuvres sont exposées dans les musées à travers le monde (Centre Pompidou, Bibliothèque nationale, Institut du Monde arabe, musée d'Art de Glasgow, British Museum, Musée Voor Volkenkunden de Rotterdam...). En 2009, Ghani Alani reçoit le prix UNESCO-Sharjah pour la culture arabe et, en 2011, le prix européen de poésie Michel-Ange.
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Toute l'histoire du manga, art japonais de la narration d'une très grande richesse, depuis ses origines jusqu'à l'actuel phénomène planétaire.

Cet ouvrage, structuré en six chapitres thématiques et chronologiques, retrace l'histoire du manga, art japonais de la narration d'une très grande richesse, depuis ses origines jusqu'à l'actuel phénomène planétaire. Chaque chapitre contient des entretiens, des textes thématiques et des extraits de mangas. Le premier chapitre permet de comprendre comment on lit, dessine et réalise un manga. Le deuxième analyse le pouvoir du récit visuel. le troisième s'intéresse à la réalité quotidienne et au monde des esprits. Le quatrième se penche sur le rôle du manga dans la société, ainsi que sur l'éducation et sur l'avenir de ce moyen d'expression. Enfin, l'ouvrage s'achève sur les limites sans cesse repoussées du manga, en s'intéressant à l'avant-garde, aux mangas multimédias, à la diffusion et à l'influence toujours en expansion du manga dans le monde.
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Qui n'a jamais rêvé de tracer, sereinement, d'un seul coup de pinceau les signes étranges et magnifiques de la calligraphie chinoise ?
Calligraphier les premiers caractères, c'est aussi s'imprégner des traditions de plus de deux millénaires et maîtriser les techniques de maniement du pinceau. Décomposé en une vingtaine de leçons, l'enseignement de maître Ouyang Jiaojia, calligraphe de Shanghai, est transcrit en termes simples dans cette méthode progressive et très pédagogique.
Le style de calligraphie enseigné pas à pas, avec des explications claires et des exercices faciles, est le kaishu (écriture droite et régulière), à partir duquel les styles livres et cursifs peuvent devenir possibles, appuyés en fin d'ouvrage par une sélection d'oeuvres d'artistes contemporains. Entres dès maintenant dans un monde merveilleux : vous y trouvez tout ce qui fait le plaisir de la peinture mais aussi le trouble plaisant de jouer avec un vocabulaire qui ressemble à un jeu de cubes.

Ouyang Jiaojia, calligraphe et peintre , est né en 1947 dans une famille d'intellectuels établie à Shanghai, où il a travaillé également en tant qu'illustrateur, directeur artistique pour l'édition jeunesse et critique d'art. Ses calligraphies ont été régulièrement exposées à Pékin et à Shanghai entre 1974 et 1988. Il vt et travaille à Toulouse depuis 1988, anime des cours et des stages sur la calligraphie chinoise et expose dans des galeries et des salons de plusieurs grandes villes de France. À partir de l'année 2000, il trouve son propre style en alliant les influences orientales et occidentales. Son travail a été couronné par plusieurs grands prix et salué par la critique et les médias. Lucien X. Polastron, écrivain et journaliste, né en 1944, est un spécialiste du monde chinois et japonais, passionné des systèmes d'écriture anciens. Il est l'auteur de l'album Calligraphie chinoise, L'art de l'écriture au pinceau oublié aux éditions de L'Imprimerie nationale en 2020. Il a publié également de nombreux reportages sur l'architecture, le design et l'art contemporain dans différentes revues : Maisons d'hier et d'aujourd'hui, Abitare, Domus, Opus International, Maison française, Libération, Actuel. Installé à Paris, il est également commissaire d'expositions d'art contemporain et producteur à France Culture...
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Au printemps 1919, Masereel ouvre les fenêtres de son atelier pour laisser passer la lumière et réaliser les soixante-trois gravures sur bois de son nouveau roman en images : Le Soleil. L'inspiration tardant à venir, il s'assoupit tout en laissant sortir de sa tête un alter ego qui se met à vouloir saisir l'inaccessible étoile. Prenant ses jambes à son cou, il se met à courir les rues et battre la campagne, à grimper quatre à quatre les escaliers, à monter aux cheminées et dans les arbres, à se hisser en haut d'une grue ou du mât d'un voilier, à surfer sur la crête d'une vague pour toucher du doigt le Soleil.

Chef d'oeuvre de Frans Masereel, tout à la fois roman d'apprentissage, récit d'aventures picaresques et récit biographique, Mon livre d'heures relate les pérégrinations de l'alter ego de l'auteur aux prises avec les réalités du monde. Articulé en une série de séquences narratives, le récit prend forme au gré de ses déambulations et de ses rêveries. Anarchiste libertaire déclaré, il préfère jouir des plaisirs de la vie que des joies du travail.
Citoyen du monde qui ignore frontières et préjugés, il choque les esprits étriqués et vit sa vie sans contraintes en pleine liberté.

Les projets sont classés en 5 sections qui correspondent aux cinq chapitres de l'ouvrage : « Les principes de composition » (les approches de la composition), « La maquette graphique » (typographie et mise en page du texte), « La palette chromatique » (la schématisation des couleurs), « Les blancs » (l'espace blanc), « Les illustrations » (les illustrations pour la mise en page).

Depuis la ville d'Edo, où Hokusai est né, jusqu'au Mont Fuji, dont ses "trente-six vues" restent célèbres, en passant par la figuration du bouddhisme dans son art ou encore les traditionnels cerisiers en fleurs, ce roman graphique explore la vie d'Hokusai parallèlement à sa vision du Japon. Le lecteur découvre ce pays grâce aux oeuvres de l'artiste, qui ont fortement participé à en forger l'imaginaire collectif, au Japon mais aussi dans le monde occidental. Depuis les impressionnistes, l'art d'Hokusai a influencé nos notions de force et d'harmonie. Ce roman graphique réunit des éléments biographiques avec des descriptions écrites et illustrées de la culture et de la tradition japonaises, deux aspects qui ne peuvent être dissociés.

Figures de graffeuses présente 50 filles qui ont choisi de dédier une partie de leur vie à la peinture et plus particulièrement aux personnages, ces figures souvent oubliées du graffiti. Plus facilement reconnaissables et accessibles au public, les « persos » sont pourtant une discipline à part entière de ce mouvement. Ils nous dévoilent leurs visages, leurs couleurs et leurs expressions qu'ils soient seuls ou accompagnés de lettres. Cet ouvrage fait suite à Graffeuses : il complète et clôt la présentation du mouvement « féminin » dans le graffiti : après les lettrages, les personnages. Ainsi, à travers les réflexions de trois décennies d'activistes et plusieurs centaines de photographies, ce livre vous révèle la vision de ces femmes sur leur pratique et leur univers personnifié.
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Partout dans le monde, une nouvelle génération d'artistes engagés donne vie à ses idées grâce au pochoir, technique accessible et efficace. Fort de sa connaissance du sujet, l'auteur a écumé la planète pour débusquer la crème des artistes en activité. Il met cette forme d'art sous le feu des projecteurs, en explore les expressions dans la scène urbaine contemporaine et dans les mouvements de contestation populaire. Cet ouvrage nous montre le pochoir sous toutes ses facettes, de la conception à l'oeuvre finale : emplacement, espace, technique, sujet... tout est passé au crible. Avec ses visites d'ateliers d'artistes et son guide pratique illustré, Stencil graffiti est un incontournable pour tous les esprits ouverts et rebelles en quête d'inspiration et de méthode.
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Ces derniers mois, la propagation de la maladie Covid-19 a entrainé le confinement de plus de la moitié de la planète, chamboulant radicalement notre quotidien. Depuis le début de cette crise sans précédent, l'association Cartooning for Peace, dont le réseau de dessinateurs s'étend à 67 pays sur tous les continents, a réuni des centaines de dessins de presse qui rendent compte de la situation internationale. Pour cet ouvrage, préfacé par la philosophe Cynthia Fleury et en partenariat avec Amnesty International, les 120 dessins les plus marquants ont été sélectionnés. Provenant du monde entier, ils permettent de saisir les enjeux liés au coronavirus, défi sanitaire dont les conséquences politiques et économiques sont d'ores et déjà très importantes.

« Une de mes plus tenaces ambitions d'éditeur avait été de publier les Fables de La Fontaine dignement illustrées. C'est au peintre russe Marc Chagall que je demandai l'illustration du livre. On ne comprit pas ce choix d'un peintre russe pour interpréter le plus français de nos poètes. Or c'est précisément en raison des sources orientales du fabuliste, que j'avais songé à un artiste à qui ses origines et sa culture rendaient familier ce prestigieux Orient. Mes espérances ne furent pas déçues : Chagall fit une centaine de gouaches éblouissantes ».
Ainsi se souvient Ambroise Vollard, le célèbre marchand d'art qui, en 1925, confie à Marc Chagall ce projet. L'artiste réalise une centaine de gouaches en couleurs pour préparer le travail de gravure en noir et blanc, s'inspirant de sa culture russe et de la richesse des paysages français. Bien plus qu'un projet éditorial, cette commande est pour Marc Chagall un passeport vers la France, qui l'inscrit et l'enracine dans les pas des artistes et des écrivains français. Pendant la création des gouaches, sa femme Bella lui lit à haute voix les Fables, parlant à son imaginaire et à son inspiration. Le décès d'Ambroise Vollard en 1937 interrompt la publication de l'ouvrage, qui ne paraîtra qu'en 1952, à l'initiative de Tériade.
Ce coffret célèbre ce dialogue entre deux artistes exceptionnels, La Fontaine, d'une part, aujourd'hui le plus connu des poètes français du xviie siècle, styliste éblouissant et moraliste de la nature humaine ; et Marc Chagall, d'autre part, qui livre sa vision onirique et personnelle des Fables, nourrie par les paysages enneigés de Vitebsk et par un animisme hérité des traditions hassidiques d'Europe de l'Est, ponctuée des couleurs et des atmosphères de la Bretagne, de l'Auvergne et du midi de la France.
Réalisé en collaboration avec le Comité Marc Chagall, ce coffret rend hommage à cette rencontre artistique originale, à travers une soixantaine de gouaches magnifiques, accompagnées pour la première fois de leurs gravures. Il est complété d'un livret explicatif qui relate la genèse et le sens de ce dialogue entre les deux artistes.
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Ralph Steadman, caricaturiste, dessinateur et illustrateur britannique, débute sa carrière dans les années 1950. Artiste provocateur au trait reconnaissable entre mille (tâches d'encre et contours noirs), il est d'abord remarqué pour ses caricatures satiriques dans lesquelles il sert une critique féroce de la société. Il se diversifie à partir des années 1960 en illustrant plusieurs livres, notamment pour enfants.
Dans les années 1970, Ralph Steadman rencontre Hunter S. Thompson, un autre rebelle. Tous deux rendent populaire le concept de « journalisme Gonzo », inventé par Nellie Bly et repris par Bill Cardoso. Cette collaboration décisive débouche sur l'emblématique Fear and Loathing in Las Vegas (Las Vegas Parano), initialement publié en série dans le magazine Rolling Stone. Franc-tireur, il est un pionnier dont l'art inspire et influence les artistes d'aujourd'hui. Ce « Poche illustrateur » se propose de retracer le parcours d'un dessinateur prolifique, qui se réinvente sans cesse, à travers une sélection choisie de quelques-unes de ses oeuvres les plus célèbres.
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Publié au XVIIIe siècle, le catalogue du cabinet de curiosités d'Albertus Seba est l'un des ouvrages d'histoire naturelle les plus précieux de son temps, à la frontière entre l'art et la science. 22 planches de mammifères, oiseaux, serpents, insectes, coraux, ou encore coquillages, habilement disposés de manière à former de splendides motifs décoratifs...

En 2017, le mouvement #MeToo invitait à la libération de la parole des victimes de harcèlement sexuel. Des millions de femmes de tous pays avaient alors parlé d'une seule voix pour témoigner des abus qu'elles avaient pu subir. Aujourd'hui, quel bilan pouvons-nous tirer de cet épisode ? Si notre société semble s'engager dans une réflexion nécessaire sur la condition féminine, avec pour horizon l'égalité entre les femmes et les hommes, le respect des droits de chacune est encore loin d'être garanti en France comme aux quatre coins du globe. Sélectionnés par Cartooning for Peace, 120 dessins de presse internationaux dressent un état des lieux de la situation des femmes à travers le monde. Tout en participant à la dénonciation des injonctions et des violences faites aux femmes, ils soutiennent les combats féministes et leurs enjeux déterminants.
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Ouvrage de référence, L'Aquarelle étudie au fil d'une remarquable iconographie, le développement de l'aquarelle occidentale en tant que technique - singularisée par la polychromie et l'exigence de transparence -, et en tant que genre à partir de la fin du XVIIIe siècle, depuis la pratique du dessin colorié dans l'enluminure médiévale jusqu'aux lavis libres et éclatants de couleurs des artistes de l'abstraction. portée par les paysagistes, les artistes naturalistes puis les jeunes avant-gardes, elle connaît sa période d'apogée dans le dernier tiers du XIXe siècle. Vers la fin du siècle, c'est en France que s'est déplacé l'épicentre de la modernité : Johan Barthold Jongkind, Paul Cézanne et, dans une moindre mesure, Paul Signac - héritier de Delacroix - seront à l'origine des révolutions majeures pour l'histoire de l'aquarelle au XXe siècle.
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